(...) A leggere così queste opere ci rendiamo conto di come il metodo di Cappelletti - il suo aver sollevata come fosse composta da carte o da una buccia la solidità della tela, e averle scomposte le bucce, e poi riordinate - aspira non già a rappresentare qualcosa (il gesto, la campitura, il colore) ma a mostrare le vie della mente che si piega sulla tensione delle superfici che ha dinanzi e sull’architettura dell’immagine con cui lo intrigano. Cappelletti dipinge pittura, dentro la pittura (piani, colore, figure) guarda come in uno specchio. Per dirla con una formula: fa della pittura al quadrato. E col fare della pittura al quadrato, col guardare a che cosa fa la pittura nella sua struttura sotterranea, attraverso la tettonica e la tensione che la tengono su, che la esibiscono racconta di una macchina non solo ottica. Riaggancia il meccanismo del più lirico e sfuggente dei generi pittorici, cioè del paesaggio. Attenzione a non intendere queste tele come paesaggi, cieli, montagne e nuvolaglie sull’orizzonte non c’entrano. Ripeto, la pittura di Cappelletti non rappresenta. Il paesaggio è tale, una fuga di spazi, un dispositivo di colori, una costruzione di piani quando si rivela come ostinato, intenso rigore della mente che comincia a collocare i segni, a diffondere i colori di una mappa astratta, ideale.

(...) In questo senso, emerge un particolare modo di doppiare lo spazio, di mettere luce sulla luce, pelle su pelle, colore su colore, con la capacità di far affiorare altri strati di pigmento, come per interrogare la fluida risonanza del blu, l’inconfondibile luminosità del bianco e quel denso emergere di bruni che fa sentire il peso della terra. D’altro lato, è la celeste materia dei sogni ad aprire lo sguardo verso visioni che vibrano impercettibili, stati d’animo del colore che sollecitano un dialogo concreto con l’invisibile, fatto di luce che prende forma come non se ne conosce. Ma si capisce che Cappelletti ama soprattutto le esaltazioni del bianco, le sue diverse energie e tutto ciò che nasce e si riassorbe al suo cospetto, creando con la sua fisica trasparenza le oscillazioni del vuoto, le risonanze della pittura sulla parete; ama sempre di più dilatare, il nostro pittore, il tempo dell’opera in prossimità del limite che separa, per via di reciproche distanze, il colore e il nulla.